Сегодня в последний день уходящей зимы у сайта WWW.ARTMONI.RU появилась личная страница на facebook!
На странице представлены картины художницы разных творческих периодов.



Очень надеюсь, что многие посетят мою страницу.
Вот ее веб-адрес: www.facebook.com/pages/Artmoniru/582794055067122

Моника Лемешонок
Lemeshonok@gmail.com

Арт Монако 2011

Искусство обладает удивительной способностью воскрешать давно забытые истории. Галерея «Шазина» впервые представляя живопись абхазского князя Алексея Шервашидзе-Чачба , предлагает вспомнить историю его знатного рода, особенно уместную в княжестве Монако. Его кузен, знаменитый театральный художник Александр Шервашидзе-Чачба (1867-1968 ), жил в Монако до самой смерти. Он работал с Дягилевым, был изумительным, галантным и высокообразованным человеком. Князь Александр Шервашидзе-Чачба, потомок абхазских царей – воплощение того восточного рыцарского благородства, которое в наше время сказочная редкость. Из-за революции, он был лишен счастья жить на родине в Абхазии - загадочной маленькой стране, на берегу Черного моря, расположенной на той же географической широте, что и Монако. Монако сегодня знаменитая на весь мир «Гранд Дама», в таком случае Абхазию, схожую с ней по красоте, можно назвать «Мадемуазель», только выходящую в светское общество.


Галерея «Шазина» представляет
на «ArtMonaco» 2011
(www.artemonaco.com)
живопись художников

Алексея Шервашидзе-Чачба
и
Адгура Дзидзариа


«Если выпало в империи родиться, лучше жить в глухой провинции у моря…»
И. Бродский

Адгур Дзидзариа и Алексей Шервашидзе-Чачба принадлежат к так называемой Сухумской группе, которая сложилась в Сухуме в 70-е годы как альтернатива официальному искусству СССР. Художники сухумского андеграунда, в отличие от их московских и питерских собратьев, преимущественно считавших себя преемниками русского авангарда 1910-20-х гг., в большинстве своем развивались под влиянием западного искусства - Пикассо, Модильяни, Брака, Делоне, Миро, Дерена, Раушенберга и многих других. Эти предпочтения, равно как и национальная культурная традиция, уходящая своими корнями во времена Древней Греции, Римской империи и Византии, определили тот особый эстетический и изысканный стиль художников Сухумской школы.

Их творческий и духовный поиск происходит сообразно с теми внутренними законами развития искусства, которые описал в своей книге «О духовном в искусстве» В.В.Кандинский. Каждый из этих художников занимает свое особенное место в современном искусстве.

Читать далее...

Моника Лемешонок
Lemeshonok@gmail.com
artmoni.ru

Абстрактный экспрессионизм

Абстрактный экспрессионизм( англ. Abstract expressionism)

Это течение живописи возникло в США, в 40-е годы 20 века, в основном его последователями были художники, относившиеся в Нью-Йоркской школе. Свою основу абстрактный экспрессионизм взял в творчестве В. Кандинского, экспрессионизме и дадаизме. Кроме того на течение повлияли принципы психического автоматизма и сюрреализма.

На формирование этого течения оказали огромное влияние такие деятели европейского изобразительного искусства, как П. Мондриан, А. Бретон, С. Дали, М. Эрнест и многие другие.

Абстрактный экспрессионизм в некотором роде схож с сюрреализмом, в особенности во взглядах на искусство, которые заключались в том, что оно должно быть освобождено от логического подхода к творению, и должно быть в большей степени выражением хаотичного и не поддающегося рассудочному осмыслению внутреннего мира художника. Поэтому приёмы используемые в процессе творчества не поддаются систематизации, очень часто используется система дриппинга, а картины создаются перед аудиторией, и процесс представляется в виде спектакля.

В связи с такой спецификой абстрактному экспрессионизму дано другое название, а именно «живопись действия», которое наиболее чётко формулирует особенности творческого процесса в рамках данного течения.

Это течение занимало лидирующее положение в американской культуре до начала 60-х годов.

Наиболее известными художниками, проповедовавшими данный стиль, стали Джексон Полок, Аршиль Горки, Ханс Хофман, Вильям де Куннинг, Марк Ротко, Роберт Мазеруэлл, Барнет Ньюман, Адольф Готлиб, Франц Клайн, Клиффорд Стилл, Филипп Гастон, Сэм Фрэнсис, Грейс Хартиген.


Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

John Ottis Adams американский живописец

John Ottis Adams (1851-1927). Известный американский художник-импрессионист. Родился в штате Индиана. Входил в состав группы художников-импрессионистов Hoosier. Учился живописи в Лондоне в Школе Искусств Южный Кенсингтон, а также в Королевской Академии в Мюнхене. После возвращения на родину в 1887 году, John Ottis Adams открыл собственную студию живописи, где преподавал, писал картины сам, а также принял участие в создании Арт Лиги Студентов. Позже в Индианаполисе открыл школу искусств Herron School of Art. Его вклад в развитие американской живописи нельзя переоценить. Он цениться и как художник и как человек, который своим трудом помогал и помогает даже после своей смерти, молодым талантам заниматься любимым делом.

Картины американского художника высоко ценятся как обычными людьми, так и профессиональными критиками. Его импрессионизм, в котором преобладают деревенские пейзажи, является классикой жанра. В нашей стране его знают только знатоки искусств, но для американца John Ottis Adams является такой же значимой фигурой, как для нас, к примеру, Василий Поленов или Виктор Михайлович Васнецов.

Ссылка:http://art-assorty.ru/2605-john-ottis-adams.html

Персональный сайт художницы

Теперь я могу похвастаться интересным событием в моей творческой жизни, вчера начал работать мой персональный сайт: WWW.ARTMONI.RU

Дорогие друзья и все пользователи интернета!
Распространите адрес моего сайта у себя в блоге или на своей вебстранице, или просто расскажите об этом вашим друзьям и товарищам. Я буду очень рада этому.


Художник: Моника Лемешонок
Контакты: Lemeshonok@gmail.com

Биография Амедео Модильяни

Амедео Модильяни (Modigliani, Amedeo) (1884–1920), выдающийся итальянский живописец и скульптор. Родился 12 июля 1884 в Ливорно. После обучения в школе живописи в Ливорно у Г.Микели, в 1902 Модильяни поступил в Академию художеств во Флоренции, а немного позже – в Академию в Венеции.

В начале 1906 он приехал в Париж, где занялся поисками современного художественного языка. Испытал влияние П.Сезанна, Тулуз-Лотрека, П.Пикассо, фовизма и кубизма, но в итоге выработал собственный стиль, для которого характерен богатый и плотный цвет. В ноябре 1907 Модильяни познакомился с доктором Полем Александром, который снял для него студию и стал первым коллекционером его работ. Художник стал членом группы Независимых и в 1908 и 1910 выставлял свои работы в их салоне. Знакомство со скульптором Константином Бранкузи в 1909 сыграло основополагающую роль в развитии скульптурного творчества Модильяни. У Бранкузи Модильяни получил поддержку и ценные советы. В эти годы Модильяни в основном занимался ваянием и изучением произведений классической древности, индийской и африканской пластики. В 1912 он выставил семь скульптурных произведений на Осеннем Салоне. С началом Первой мировой войны многие друзья Модильяни покинули Париж. Художника угнетали перемены в жизни, безработица, нищета. В это время он встретил английскую поэтессу Беатрис Гастингс, с которой прожил два года. Модильяни был дружен с такими разными художниками, как Пикассо, Хаим Сутин и Морис Утрилло, а также с коллекционерами и деловыми людьми – Полем Гийомом и Леопольдом Зборовским. Последний стал покровителем художника и поддерживал его творчество. В эти годы Модильяни вернулся к живописи и создал, возможно, свои самые значительные произведения. Присущая его произведениям отвлеченность явилась следствием изучения искусства древних цивилизаций и итальянского примитива, а также влияния его друзей кубистов; в то же время его работы отличаются поразительной тонкостью психологической характеристики. Позже формальная сторона его творчества становится все более простой и классичной, сводится к сочетанию графического и цветового ритмов. В 1917 Модильяни, в то время уже очень больной и склонный к алкоголизму, познакомился с Жанной Эбютерн, ставшей его спутницей в последние годы жизни. В следующем году Зборовский организовал персональную выставку художника в галерее Берты Вейль. Она не имела успеха, но вызвала скандал несколькими изображениями обнаженной натуры: их сочли неприличными, и по требованию полиции полотна были сняты. Тем не менее некоторые французские и иностранные коллекционеры проявили интерес к работам Модильяни. В 1918 художник поехал на Лазурный берег для отдыха и лечения и пробыл там некоторое время, продолжая упорно работать. Модильяни умер вскоре после возвращения в Париж, 24 января 1920. Утром следующего дня Жанна Эбютерн покончила с собой. В работах Модильяни сочетаются чистота и утонченность стиля, символизм и гуманизм, языческое чувство полноты и безудержной радости жизни и патетическое переживание мук всегда неспокойной совести.

Горбатов Константин Иванович (1876 – 1945) — яркий представитель русского постимпрессионизма

Горбатов Константин Иванович (1876 – 1945) — яркий представитель русского постимпрессионизма, профессор Академиии художеств, член «Общества А.И. Куинджи», человек, влюбленный в архитектуру и пейзаж. Судьба его насыщена контрастами, как и его живопись.Горбатов родился в городке Ставрополь-на-Волге (ныне город Тольятти).Самарской губернии. Как в любом из уездных городов центральной России, здесь были старые храмы, покосившиеся дома над обрастающими травой деревянными тротуарами, густая тишина. А главное — была Волга, которую позже воспел Горбатов в своем цикле картин с непременными парусными стягами на переливчатой воде.Школу живописца Горбатов стал проходить в начале 1890-х годов в Самаре у местного художника Ф.Е. Бурова, а с 1896 по 1903 год он живет в Риге, учится в политехникуме и продолжает свое художественное образование у Д. Кларка. Приехав в Петербург в 1903 году, Горбатов сначала учится в знаменитом Училище рисования Штиглица, а потом в Академии художеств на архитектурном отделении. Год спустя он переводится на живописное отделение под руководство А.А. Киселева и П.Н. Дубовского. Не случайно позже художник находит свою стезю именно в архитектурном пейзаже. С 1905 по 1911 год учился на живописном отделении Академии художеств у В.Е.Дубовского и А. А. Киселёва. В 1911 году за картину «Приплыли» получил звание художника, заграничную поездку и золотую международную медаль на выставке в Мюнхене.В 1912 году 35-летний К. Горбатов едет в Рим пансионером Академии художеств. Сначала работает в Вечном городе, а потом по приглашению Максима Горького перебирается к нему на Капри. Там вокруг Горького собралась колония молодых художников из России — Горелов, Бродский, Фалилеев, Вещилов... Знаменитый писатель выделяет из нее земляка-волжанина Горбатова, вместе дважды в неделю они обходят мастерские молодежи. После Италии, объездив всю Европу, Горбатов живет в России и неустанно пишет ее природу, виды северных городов: Пскова, Новгорода, — а также маленьких волжских и самой Волги, с любимыми силуэтами кривых берез на переднем плане картин.О рабочем настрое художника, его “речном” сердце писал в то время и И.Э. Грабарь: “Из петербургских художников вряд ли кто так хорошо знал жизнь северных городов, как Константин Иванович Горбатов. С детства он привык к стоящим на приколе стареньким рыбацким лодкам с залатанными парусами, к тяжело груженным баржам, к запаху илистой воды и свежей рыбы, к расплавленному солнцу, беспощадно льющему свои лучи на зеленые, красные крыши прибрежных домов. Взрослым, когда он считал чуждым для себя все, кроме живописи, Горбатов неделями пропадал на берегах рек, прислушивался, присматривался, писал этюды, писал много, с наслаждением. А еще больше он любил задворки провинциальных северных городов к концу зимы, когда снег становился серым, ноздрястым, когда появлялись первые лужи и начинали оживать березки”. В Петербурге К. Горбатов не влился в модные течения и кружки. Сообразно своему мировоззрению, он стал членом Общества им. А.И. Куинджи, поздних Передвижных выставок, как бы осознанно отставая от набирающего скорость локомотива нового русского искусства начала XX века.Революцию 1917 г. он встретил признанным мастером, чье творчество уже получило высокую оценку поклонников живописи и критиков. В то время стиль и манера Горбатова уже окончательно выработаны. Его вещи сразу узнаваемы. Их добротность и живописная красота обеспечивали успех у публики. Все горбатовские картины легко распродавались с выставок. Но круг поклонников и покупателей художника из средних слоев общества, как и следовало ожидать, распался сразу же после революции. В 1922 году Горбатов вместе с женой выезжает из России. Сначала Горбатовы живут в Италии. В свою традиционную русскую тематику художник теперь смело вводит виды солнечных уголков Капри, Венеции, а потом будет использовать мотивы, навеянные его путешествиями в Англию, Палестину, Египет. Эти разноцветные города у него теперь пламенеют на фоне красочного моря (уже — не реки) и неба, выразительно написанных иногда едва ли не пуантелистским мазком. В 1926 году Горбатовы переселились в Берлин, где художник органично вошел в группу тамошних русских эмигрантов-живописцев: Л. Пастернак, В. Фалилеев, И. Мясоедов, С. Колесников. Общаются они и с русскими парижанами — на международных выставках. Надо заметить, что Горбатов умело использует свое ремесло для неплохого заработка. На фоне общей жизни российской эмиграции он выглядит преуспевающим, снимает хорошую квартиру, нарядно обставленную ампирной мебелью.В берлинский период жизни много путешествует: Финляндия, Великобритания, Палестина. Почти ежегодно ездил в Италию. После выставки русской живописи в Кельне в 1929 году, организовывавший ее И.Э. Грабарь писал о Горбатове: “Академист, лет 55, работающий "русские пейзажи", — исключительно с церквами, пропастью церквей... Имеет успех у немецкой публики, всюду делал выставки, много (больше всех вместе) продал и продолжает продавать”. Э.Ф. Голлербах отмечал большую симпатию, с которой встречали картины Горбатова в Германии. В Мюнхене даже выходили цветные открытки с репродукциями этих картин.С начала 1930-х годов в Германии возобладавший в искусстве стиль Третьего рейха сделал тему русской провинции полностью неуместной. Живописцу К. Горбатову живется теперь несладко. С приходом к власти Гитлера Горбатовым, еще числящимся по их загранпаспортам советскими гражданами, приходится туго. Когда началась война, им как “неблагонадежным” приходится дважды в неделю отмечаться в полиции, они лишаются возможности выезда из страны. Полученные новые временные паспорта супругам продлевает шведское посольство на четырехмесячные сроки. В самом центре России, Нижегородском крае, есть озеро Светлояр - жемчужина русской природы. Это озеро называют иногда маленькой русской Атлантидой: его история овеяна легендами.Главная светлоярская легенда - о невидимом граде Китеже. Легенда гласит: в Ветлужских лесах есть озеро. Расположено оно в лесной чаще. Голубые воды озера лежат неподвижно днем и ночью. Лишь изредка легкая зыбь пробегает по ним. Бывают дни, когда до тихих берегов доносится протяжное пение, и слышится далекий колокольный звон.Давным-давно, еще до пришествия татар, великий князь Георгий Всеволодович построил на Волге город Малый Китеж (нынешний Городец), а потом, "переправившись через тихие и ржавые речки Узолу, Санду и Керженец", вышел к Люнде и Светлояру на "зело прекрасно" место, где поставил город Китеж Большой. Так на берегу озера появился славный Китеж-град. В центре города возвышались шесть глав церквей.Придя на Русь и завоевав многие земли наши, Батый услышал про славный Китеж-град и устремился к нему со своими ордами...Когда "злые татарове" подошли к Китежу Малому и в великой битве убили брата князя, сам он скрылся в новопостроенном лесном городе. Пленник Батыя, Гришка Кутерьма, не стерпел пыточных мучений и выдал тайные тропы к Светлояру.Татары грозовой тучей обложили город и хотели взять его силой, но когда они прорвались к его стенам, то изумились. Жители города не только не построили никаких укреплений, но даже не собирались защищаться. Жители молились о спасении, так как от татар не приходилось ждать чего-либо доброго. И как только татары ринулись к городу, из-под земли вдруг забили многоводные источники, и татары в страхе отступили. А вода все бежала и бежала...Когда стих шум родников, на месте города были лишь волны. Вдали мерцала одинокая глава собора с блестящим посредине крестом. Она медленно погружалась в воду. Вскоре исчез и крест. Теперь к озеру есть путь, который называется Батыевой тропой. Она может привести к славному городу Китежу, но не каждого, а лишь чистых сердцем и душою. С тех пор город невидим, но цел, а особо праведные могут увидеть в глубине озера огоньки крестных ходов и слышать сладкий звон его колоколов... Не многие, наверное, знают, что по великой русской реке Волге еще каких-нибудь сто лет назад плавали суда, по своему водоизмещению превосходящие крейсер «Аврора», причем строились они... из дерева! Назывались они белянами и вошли в историю отечественного кораблестроения как самые уникальные речные суда на свете.Размером с пароход.Прежде всего, говоря о белянах, следует отметить, что они были очень велики, во всяком случае, для речных судов. Сохранились сведения, что существовали беляны длиной до ста метров, а высота борта у них достигала шести метров! Грузоподъемность белян соответствовала их размерам и могла быть 100-150 тыс. пудов (пуд - 16 кг) у небольших белян, а вот у больших она доходила до 800 тыс. пудов! То есть это были размеры пусть и не очень большого, но все же океанского корабля, хотя плавали они исключительно с верховьев и до низовьев Волги и никогда не бывали дальше Астрахани!Известно, что на постройку одной средней волжской беляны уходило около 240 сосновых бревен и 200 еловых. При этом плоское дно делалось из еловых брусьев, а борта - из сосны. Расстояние между шпангоутами - не более полуметра, из-за чего прочность корпуса беляны была исключительно велика. При этом, как это очень часто бывало у нас в прошлом, строились беляны вначале без единого гвоздя, и только уже впоследствии их начали сколачивать железными гвоздями.Корпус беляны был заострен как спереди, так и сзади, а управляли ею при помощи огромного руля - лота, имевшего вид самых настоящих дощатых ворот, который поворачивался при помощи огромного длинного бревна, выведенного от кормы на палубу. Из-за этого лота беляна и сплавлялась вниз по реке не носом, а кормой. Время от времени, пошевеливая огромным лотом, словно ленивый кит хвостом, она плыла так по течению, но, не смотря на всю свою неуклюжесть, обладала прекрасной маневренностью! Кроме лота, на беляне имелись большие и малые якоря весом от 20 до 100 пудов, а также великое множество самых различных канатов, пеньковых и мочальных.Но самым интересным в беляне был, в общем-то, ее груз - «белый лес», то есть лишенные коры бело-желтые бревна. Считается, что из-за этого-то так ее и назвали, хотя есть и другая точка зрения, будто бы слово «беляна» связано с рекой Белой. В любом случае, любая беляна была всегда белой, поскольку служили эти суда всего-навсего одну навигацию и потому никогда не смолились! А к концу войны Горбатовы уже по-настоящему бедствуют, художник тяжело заболевает.. И как бы последней радостью в этой жизни является для художника приход в покоренный Берлин нашей армии. Всего на две недели пережил он окончание Второй мировой войны и умер в Берлине 24 мая 1945 года. Детей Горбатовы не имели. Ольга Александровна Горбатова после смерти мужа буквально не находила себе места, постоянно сетовала соседям на опустевшую без него жизнь. 17 июня 1945 года она в черном шелковом платье, в темных чулках, чтобы никого не беспокоить ее обряжанием в гроб, встала на подоконник кухни. В крюке над окном была закреплена веревка с петлей...По удачному стечению обстоятельств жилище Горбатовых досталось после них советскому капитану-танкисту. Он передал в комендатуру картины и бумаги, оставшиеся после прежних хозяев. В них нашли и завещание Константина Ивановича Горбатова: “Пишу письмо в трагическую минуту, когда смерть грозит каждому живущему в Берлине. После войны прошу все мои картины отправить в Академию Художеств в Ленинграде, пусть она поступит так, как найдет должным”.Частично воля художника оказалась выполнена. Архив и оставшиеся работы Горбатова были вывезены в СССР и в 1960-х годах поступили на хранение в Московский областной художественный музей в Новом Иерусалиме. Его наследие находится в стенах древнего ставропигиального монастыря, раскинувшегося под сенью белокаменного златоглавого собора. И этот стоящий на горе монастырь с подступающими к нему березками и домиками как нельзя лучше напоминают нам о творчестве замечательного художника. Моника Лемешонок Lemeshonok@gmail.com Источник:liveinternet.ru Векторные изображения на любой вкус, только здесь:

ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ. ЭСКИЗ К ИМПРОВИЗАЦИИ № 8. 20,5 [23] МИЛЛИОНА ДОЛЛАРОВ

В течение 22 лет самой дорогой работой Василия Кандинского была «Фуга» 1914 года: она держала ценовой рекорд для произведений художника с мая 1990 года, когда ее продали за 19 миллионов долларов без учета комиссии (20,9 миллиона с Buyer’s Premium). Работу приобрел Фонд Байелеров, и, к чести владельцев шедевра, «Фуга» находится в публичном доступе почти круглогодично в музее Фонда Бейелеров в Базеле. На протяжении почти 17 лет «Фуга» была не только самой дорогой работой Кандинского, но и самым дорогим произведением на тогда еще молодом рынке русских художников (лишь в 2007 году ее потеснил «Белый центр» Марка Ротко). Вещи Кандинского класса «Фуги», сопоставимого исторического значения и художественного потенциала, выставляются на открытые торги крайне редко. Почти все они уже надежно закреплены в государственных и частных музейных и коллекционных фондах, а владельцы не спешат с ними расставаться. Поэтому не удивительно, что следующего рекорда художника пришлось ждать больше двадцати лет. Это произошло на Christie’s 7 ноября 2012 года. «Эскиз к импровизации № 8» из коллекции благотворительного швейцарского «Фонда Фолькарт» был оценен в 20–30 миллионов долларов, а продан за 23 миллиона долларов. Василий Васильевич Кандинский (1866–1944) — признанный русский художник мирового значения. Собственно, его подлинно новаторские идеи определили один из основных векторов развития изобразительного искусства в XX веке. Кандинский считается «отцом абстракции» — художником, который в числе первых подошел к этому открытию и дал ему теоретическое обоснование. В начале века появление абстракции было уже предопределено. «Деконструкция» классических принципов изобразительного искусства шла во всех направлениях, ставились тысячи художественных экспериментов. Так что идея витала в воздухе, и сразу несколько европейских художников последовательно продвигались к ней параллельными путями, находясь кто в шаге, кто в полушаге от нефигуративной живописи. На «авторское свидетельство» могут претендовать слишком многие. Поэтому не существует всеми признаваемой единой даты изобретения абстракции. Срывы в абстракцию можно увидеть и в картинах Кандинского 1908–1909 годов, но именно импровизации Кандинского 1910 года, по мнению ряда специалистов, стали поворотным моментом в истории искусства. В отдельных работах именно этого года была окончательно разорвана связь с фигуративной живописью, удалены последние намеки на узнаваемые образы, появилась чистая абстракция. Не то чтобы расставание с фигуративной образностью в творчестве Кандинского произошло бесповоротно и навсегда (впоследствии он не раз к ней возвращался), но был перейден Рубикон в идеологии искусства. Так вот, человек, в 30 лет круто развернувший свою жизнь, бросивший удачно развивающуюся карьеру юриста и решивший стать художником, уже к 44 годам перенаправил реку мирового художественного процесса. Дальше: http://artinvestment.ru/invest/rating/20080411_top12rus.html#06

Кто придумал «постимпрессионизм»?

Большинство художников, которых мы называем «постимпрессионистами», жили и работали во Франции, однако сам термин, что интересно, придумали британцы. Известно, что слово это впервые употребил художник и историк искусства Роджер Фрай (RogerFry), но был ли он единственным автором нового термина? Газета TheArtNewspaperвысказывает некоторые догадки, предлагая своим читателям помощь в разгадке тайны. Широкой публике термин стал известен в 1910 году, благодаря выставке «Мане и постимпрессионизм», которую Фрай устроил в лондонских Grafton Galleries. Впервые у британских любителей искусства появилась возможность увидеть в одном месте значительное число произведений Гогена и Ван Гога. Выставка, открывшаяся 8 ноября, стала настоящей сенсацией. Посетители (в том числе критики) в большинстве своем, как водится, уходили возмущенные, однако для некоторых мероприятие стало началом увлечения современным искусством. О том, какую бурю подняла выставка, красноречиво свидетельствуют следующие слова Вирджинии Вульф (Virginia Woolf): «В декабре 1910 года или около того изменилась человеческая природа». Модернизм, будораживший умы по всей Европе, наконец-то взял штурмом Британское королевство. Трудно поверить, но Фрая позвали делать выставку буквально в последнюю минуту, дабы заткнуть дырку в программе Grafton Galleries. Подробности о ее названии стали известны лишь в 1945 году, когда один из организаторов, Десмонд Маккарти (Desmond MacCarthy), поведал следующее: «Я, Роджер и один молодой журналист, желавший помочь нам с рекламой, встретились, дабы решить, как нам назвать выставку. Именно тогда и появилось это слово, сейчас уже закрепившееся в английском языке — “постимпрессионизм”. Роджер хотел использовать термин, подчеркивающий отличие этих художников от импрессионистов; среди предложенных им вариантов был и “экспрессионизм”. Но журналисту все эти термины не нравились. В конце концов Роджер, теряя терпение, заявил: “Ладно, давайте их назовем просто постимпрессионистами, они ведь уже после импрессионистов идут”». Так кто же был тот журналист, благодаря которому мы не относим Сезанна и Гогена к экспрессионистам или к кому-нибудь еще? Говорят, ему тогда было двадцать с чем-то, и, скорее всего, он был мужского пола. Возможно, это был критик, опубликовавший рецензию на выставку, однако положительных отзывов известно мало, и авторам их (среди которых были Холбрук Джексон (Holbrook Jackson),Фрэнк Раттер (Frank Rutter) и Льюис Хинд (Lewis Hind)), уже перевалило за 30, а то и за 40. Например, Раттеру, упомянувшему термин в своей статье от 14 октября 1910 года, было 34. Есть еще версия, что «журналист» был и не журналистом вовсе, а главным ассистентом галереи. В архивах музея Ван Гога есть письмо, подписанное неким «Ф. Уолстоном», подчиненным Фрая (подпись не очень разборчива). Об этом сотруднике больше ничего не известно; возможно, это он должен был «помогать с рекламой»? Что удивляет, так это то, что неназванный молодой человек нигде письменно не упомянул о своей ключевой роли в этом деле, хотя выставка получила статус исторически значимого события. «Журналист» мог быть убит во время Первой мировой войны, разразившейся менее, чем через четыре года. В любом случае, того, кто занимался рекламой выставки, ждал успех, превзошедший самые смелые ожидания. В прессе появилось более 50 рецензий, а число посетителей составило 25 тысяч — невероятный показатель для коммерческой галереи! Моника Лемешонок Lemeshonok@gmail.com Ссылка от